Ravenna Festival

Il primo appuntamento di Ravenna Festival in quest’anno dedicato all’Africa e alla fiaba, ha il carattere di un incontro festoso fra giovani ravennati e africani nel cuore della città con uno spazio favoloso per i bambini. Formazioni musicali di alcune scuole cittadine si alterneranno a un gruppo acrobatico di Nairobi. Il dialogo e l’intesa sono immediati quando giovani appartenenti a diverse culture si esprimono attraverso il linguaggio del corpo e dell’arte.

Nafsi Africa (in swahili Anima dell’Africa) è un gruppo di giovani acrobati provenenti da Kibera, una delle più grandi e degradate baraccopoli
africane. La loro attività inizia al Kivuli Center fondato da Padre Kizito alle porte di Nairobi. Lì è iniziato il loro percorso di riscatto da ragazzi di
strada ad acrobati professionisti.

Aspettare il vento che accarezza e muove ogni cosa: le chiome degli alberi e i pensieri, la superficie dell’acqua e le emozioni, le nubi e i sentimenti più riposti. Ascoltare il “suono del vento” dalle accordature di un’arpa eolia, per cercare una dimensione più limpida, tersa e trasparente, per spazzare via d’un colpo, dai cieli che sovrastano le nostre città, le troppe antenne, i troppi pali che
oscurano l’orizzonte e al tempo stesso i cuori. Spingere lo sguardo più lontano per cercare una nota, una rispondenza, un soffio che dischiuda all’improvviso l’orizzonte lasciando brillare ogni cosa
della sua luce naturale. L’udibile sensibile del paesaggio; “La natura stessa è un’arpa eolia, è uno strumento musicale i cui suoni sono a loro volta tasti di corde superiori dentro di noi”(Novalis).

L’autore, insieme ad altri relatori, illustra gli aspetti teorico pratici del Metodo e del Tititom, lo strumento didattico che ne applica i contenuti. È un sistema di apprendimento innovativo che permette di accedere rapidamente alla conoscenza ed alla pratica del ritmo, delle durate, della notazione della musica d’insieme. Ideale per la scolarizzazione di base (classi di alunni dai 4 ai 14 anni), per i docenti di musica e di danza. Molto utile anche per i musicisti e gli amatori di tutte le età. Il sistema è stato inoltre sperimentato con successo con bambini portatori di disturbi sensoriali e dell’apprendimento quali sordità, dislessia e difficoltà psicomotorie. Il Metodo consente una didattica fortemente interdisciplinare. Esperti di varia formazione ne esporranno casi di studio ed applicazioni.

6 giugno, ore 17
Presentazione Sala Corelli, Teatro Alighieri

7-10 e 13-15 giugno
Laboratorio musicale Scuola primaria statale “Filippo Mordani”
Info e prenotazione laboratori
www.tititom.com

“Quello che Beethoven pensa della Pastorale non lo sapremo mai, perché in questa sinfonia egli, diversamente dal solito, non pensa ma si contenta di guardare”, scrive Alberto Savinio. Come il pubblico, aggiungiamo, che di fronte all’unicità
di questa pagina continua a “guardare” riuscendo, talvolta, a scorgere l’essenza della musica. E non stupisce che Claudio Abbado l’abbia scelta per segnare il suo ritorno a Ravenna Festival. Il grande maestro, che da oltre trent’anni non smette di dare voce ai musicisti del futuro, è qui con la “sua” Orchestra Mozart. Che al capolavoro beethoveniano affianca la geniale esuberanza del giovane Mozart: la prima delle sue grandi sinfonie, poi le “turcherie” del suo concerto violinistico più famoso e l’impeto spontaneo di quello per oboe, affidati ad interpreti di indiscutibile talento.

http://www.orchestramozart.com

Dopo gli indimenticabili successi di Swan Lake e Dorian Gray il coreografo e regista britannico Matthew Bourne ritorna con uno spettacolo estremamente suggestivo che, conciliando la tradizione del musical e della danza moderna, racconta ancora una volta una storia toccante e unica che è anche un appassionato tributo alla città di Londra, devastata dai bombardamenti durante la Seconda Guerra Mondiale (il cosiddetto “London Blitz”). Una scenografia sontuosa che da fiabesca si fa cupa e tragica, luci e cambiamenti di scena che tolgono il respiro, le musiche travolgenti del grande Sergej Prokof’ev, le citazioni dai grandi film inglesi e di Hollywood degli anni ’40, tutto congiura per rendere questa geniale trasposizione storica della più popolare fiaba di tutti i tempi una delle più emozionanti invenzioni coreografiche dei nostri giorni.

www.new-adventures.net/productions/cinderella

Qualcosa di più di un concerto: un vero e proprio viaggio di esplorazione in mondi musicali sconosciuti, al seguito di tre indomite “guide” di eccezione.
Il percussionista Trilok Gurtu, già collaboratore, tra gli altri, di Joe Zawinul, Jan Garbarek, Don Cherry, Bill Evans, Pharoah Sanders, Dave Holland, fondendo la tecnica occidentale con quella indiana, ha sviluppato uno stile ed un suono inconfondibili, mentre il mix vincente di jazz, musica cubana e world music con forti radici africane fa di Omar Sosa un nuovo straordinario protagonista del pianoforte contemporaneo. Paolo Fresu, poi, tra gli esponenti di punta del jazz italiano, si è esibito in tutto il mondo con i nomi più importanti della musica afro-americana degli ultimi trent’anni. Il suono unico della sua tromba è riconosciuto come uno dei più caratteristici nell’odierna scena jazz.

http://www.paolofresu.it/
http://www.omarsosa.com/
http://www.trilokgurtu.net/

CorpOmbra nasce dall’ultima residenza artistica della Compagnia Artemis Danza in Indonesia, tappa 2010 del progetto Artemis Incontra Culture Altre. Un’Indonesia vissuta attraverso i codici gestuali dell’antico Wayang Orang (il teatro danza giavanese), rielaborati da Monica Casadei, coreografa e regista, per giungere ad una creazione per sei corpi, sei sagome e... ombre
(con la sapiente complicità di Fabrizio Montecchi del Teatro Gioco Vita). Sagome del Ramayana indonesiano (uno dei più grandi poemi epici della mitologia induista) si intrecciano con corpi-ombra, ombre di corpi che dialogano con i corpi di danzatori che, a loro volta, incarnano personaggi della tradizione per poi immergersi nella realtà svelata dal gesto contemporaneo, arricchito sempre dall’eco di un paese pieno di fascino e di immagini seducenti.

http://www.artemisdanza.com

Nella suggestiva cornice del Vecchio tiro a segno, sotto la grande aquila scura che ha visto allenarsi campioni olimpici, una conferenza spettacolo sarà dedicata al celebre viaggiatore ravennate che nell’800 dedicò la sua vita all’esplorazione dell’Africa combattendo i mercanti di schiavi. Così aprì la strada agli studi antropologici in Italia su cui si innestarono le aspirazioni coloniali del successivo periodo fascista.

Entity nasce dall’influenza della neuroscienza su Wayne McGregor, tra i più geniali ed interessanti coreografi inglesi dei nostri giorni, così come dall’interesse per la relazione tra corpo e mente e per come questa può tradursi in movimento. La coreografia è il futuribile tripudio di un mix irripetibile tra scienza, cibernetica e modern dance, dove un avvolgente set di led luminosi funge da ipnotico sfondo ai movimenti di matematica precisione dei danzatori, immersi nella suggestiva e incalzante ambientazione sonora di Jon Hopkins e Joby Talbot. Wayne McGregor, oltre che fondatore della compagnia Random Dance è attualmente il più giovane coreografo che sia mai stato scritturato dal leggendario Royal Ballet e le sue creazioni sono approdate anche in ambito cinematografico, come ad esempio nel film Harry Potter 4.

http://www.randomdance.org/

Platero y yo è una raccolta di poemetti in prosa scritti nel 1914 da Juan Ramón Jiménez, poeta premiato con il Nobel per la letteratura nel 1956, in cui si descrivono le vicende vissute da un poeta misantropo a fianco del proprio asinello Platero. Mario Castelnuovo-Tedesco scelse 28 dei 138 quadri del poema di Jiménez creando una delle opere più originali della letteratura chitarristica.

Un laboratorio narrativo che si spinge fino al cuore della musica dei Pink Floyd, una miniera di documenti e citazioni, un dialogo immaginario che è anche il racconto di un mito. Questo è il romanzo di Michele Mari, Rosso Floyd, che approda sul palcoscenico in una performance virtuosistica e in un viaggio da favola dark grazie a Rita Marcotulli e al suo gruppo, a partire dalla straordinaria voce di Raiz, già front man degli Almamegretta. Lo scrittore trasporterà il lettore nel vortice del rock più psichedelico e visionario mai conosciuto, riunendo una singolare teoria di personaggi che hanno avuto la ventura di incrociare Syd Barrett o che, anche solo tangenzialmente, hanno avuto a che fare con i Pink Floyd. Personaggi realmente esistiti e personaggi immaginari, protagonisti delle canzoni o figure apparse nei tanti documentari che hanno raccontato il gruppo.

Capolavoro della poesia ebraica, il Cantico dei Cantici è un dialogo in versi tra due sposi, ricco di immagini tenere e sensuali, pur conservando un carattere intimamente spirituale. La lettura simbolico-allegorica più ricorrente riconosce nei due amanti Cristo e la Chiesa, ma spesso la sposa viene identificata con Maria. A quest’ultima interpretazione è legata molta della produzione musicale su versi tratti dal Cantico, che fiorisce soprattutto a partire dal xv secolo. Nel manoscritto Q15 della Biblioteca musicale di Bologna e in altre fonti coeve si trovano numerosi mottetti
di autori franco-fiamminghi e inglesi; tra Quattrocento e Cinquecento si sviluppa una vera e propria tradizione musicale che, proprio nelle pagine di Isaac, Mouton, Brumel e Clemens non Papa, raggiunge vertici di altissima espressività.

C’è un apparente irrisolvibile conflitto fra il tema della favola e le liturgie curate da Ravenna Festival. Come conciliare il mondo della fantasia e dell’invenzione con quello delle verità di fede proclamate nella liturgia che favole certo non sono?
“Lasciate che i bambini vengano a me” ammoniva Gesù, e alle folle Egli amava rivolgersi in parabole, segno che la verità che ha introdotto nel mondo non è una dottrina da brandire, ma piuttosto un mistero cui affacciarsi con lo sguardo dei semplici. E proprio questa semplicità segnerà il percorso delle quattro liturgie, riecheggerà nelle voci dei bambini del Coro Farnesiano di Piacenza, nelle sonorità alpine evocate dal Coro Santa Lucia di Magras, nei canti della tradizione popolare riproposti dal Coro Santa Veronica, nei ritmi e nelle melodie africane che i ragazzi di Padre Kizito ci porteranno da Nairobi.

La Società dei Canterini Romagnoli festeggia quest’anno il 50° anniversario della sua fondazione: oggi come allora, ha lo scopo di raccogliere, mantenere e tramandare il folklore romagnolo. Il gruppo corale, composto da 6 sezioni miste per un totale di 41 canterini, ha eseguito concerti in Italia e all'estero, realizzato incisioni discografiche partecipando a spettacoli radiofonici e televisivi anche a carattere nazionale

Un tappeto, tre attori e alcuni tamburi: i teatri europei si possono trasformare in un cortile africano, così come un cortile africano può diventare un teatro italiano. Uomini di diversa provenienza dialogano attraverso i linguaggi più semplici e immediati, quelli delle favole dell’antica tradizione messe in scena sul palco. Questo è il motivo per cui il regista Mandiaye N’Diaye ha deciso di riallestire lo storico e fortunato spettacolo del Teatro delle Albe Nessuno può coprire l’ombra, facendolo interpretare dai giovani attori del Takku Ligey Théâtre dopo circa vent’anni dal primo debutto sulle platee internazionali. In questo intarsio di racconti della tradizione senegalese, attraverso narrazione, danze e percussioni, ci vengono mostrate le vicende di Lek-la-Lepre e Buki-la-Iena, antichi archetipi della tradizione fiabesca wolof.

http://www.teatrodellealbe.com/index2.htm

“Il segreto dell’ottava ariostesca sta nel seguire il vario ritmo del linguaggio parlato, nell’abbondanza di quelli che furono definiti gli accessori inessenziali del linguaggio, così come nella sveltezza della battuta ironica; ma il registro colloquiale è solo uno dei tanti suoi, che vanno dal lirico al tragico allo gnomico e che possonocoesisterenellastessastrofa”.È con queste parole che Calvino descrive le ottave dell’Orlando Furioso, non c’è dunque da meravigliarsi se il poema di Ariosto ebbe tanta fortuna presso i madrigalisti: tutti i maggiori compositori italiani e fiamminghi dell’epoca ne saccheggiarono i versi per rivestirli di complesse architetture polifoniche. La selezione di queste musiche ci offre l’occasione per riascoltare il grande poema arricchito dell’emotività che vi infonde la polifonia cinquecentesca.

Il ricordo pubblico della contessa Augusta Rasponi del Sale, in arte Gugù, si è andato sbiadendo in città. Per molti è solo il nome di una strada. L’ultima discendente di una delle più nobili famiglie ravennati che ha dedicato tutta la sua esistenza all’infanzia destinando il suo cospicuo patrimonio ai bambini bisognosi, è stata di fatto una delle più celebri illustratrici per ragazzi.

Quando all’inizio del secolo scorso il jazz fece la sua apparizione, non aveva nome; lo stesso accadde alla polifonia ai suoi esordi, quasi mille anni prima. Questi due fondamentali momenti storici assolutamente anonimi costituirono i punti di avvio per due delle più importanti idee alla base della musica occidentale: l’improvvisazione e la composizione. Così, possono accadere cose notevoli allorché uno dei più grandi improvvisatori jazz dei nostri giorni, il sassofonista norvegese Jan Garbarek incontra un quartetto vocale inglese tra i più eccelsi interpreti ed esploratori del repertorio vocale polifonico tra Medioevo e Rinascimento. Dall’uscita di Officium nel 1993, Garbarek e Hilliard Ensemble hanno fatto risuonare gli spazi acustici delle antiche cattedrali di mezza Europa con architetture sonore irripetibili.

http://www.hilliardensemble.demon.co.uk/

La compagnia di burattinai cervese Arrivano dal Mare! e quella iraniana Apple Tree, composta dalle sorelle Mirzahoseini, introducono il loro spettacolo che va in scena il giorno dopo “Fiabe e Musiche d’Oriente – La notte che il fulesta di Romagna incontrò Mobarak e Pulcinella in Persia”, storie provenienti da mondi lontani, dal sapore antico ed esotico, accompagnate da strumenti tradizionali.

Fondato nel 1978, il Nederlands Dans Theater ii è una compagnia di sedici giovanissimi e travolgenti danzatori provenienti da tutto il mondo, che ha raggiunto, in oltre trent’anni di attività, fama internazionale. Creati da Jiˇrí Kylián, tra i massimi coreografi del nostro tempo (il cui nome è indissolubilmente legato alla compagnia), Sleepless e Gods and Dogs sviluppano l’uno una riflessione intensa sul rapporto tra movimento e moti dell’anima, l’altro un’indagine sul confine sottile
tra normalità e pazzia. Minus 16 invece, sensuale e scanzonato, è una sorta di compilation, al ritmo di cha cha cha, mambo e musica leggera israeliana creata da Ohad Naharin, coreografo e danzatore originario di Kibbutz Mizra (Israele) e direttore artistico di Batsheva Dance Company.

http://www.ndt.nl/

Molti ricercatori e studiosi collocano al centro del continente asiatico il fulcro, la culla del patrimonio della fiabistica mondiale. In ogni caso da quella parte del mondo ci vengono alcuni dei patrimoni e dei testi più antichi, e quelle terre sono ancora oggi fortunatamente ricche di straordinarie tecniche narrative e dei loro interpreti. Questa serata allora è un’occasione preziosa per avvicinarsi a questo mondo da Mille e una notte, accompagnati da un vero fulesta romagnolo. La compagnia cervese Arrivano Dal Mare! e quella iraniana Apple Tree, composta dalle quattro sorelle Mirzahoseini, si avvicenderanno nella narrazione – accompagnate da strumenti tradizionali a corda, percussioni e dall’organetto diatonico – di storie provenienti da mondi lontani, dal sapore antico ed esotico, legate tuttavia da elementi comuni.

http://www.arrivanodalmare.it/

Il Quartetto Atem nasce nel 2005 ed è considerato uno dei più interessanti quartetti di sassofoni anche per la particolarità dei progetti in cui affianca sperimentazione, repertorio classico e prime esecuzioni. Gli Atem si sono esibiti presso le più importanti stagioni concertistiche italiane ed internazionali e collaborano con artisti del calibro di Javier Girotto con il quale hanno recentemente inciso il CD Suix.

Lo spettacolo reinterpreta attraverso la multimedialità le regole di proporzione e armonia fissate nel De divina proportione di Luca Pacioli, uno dei testi pilastro della speculazione filosofica e cosmologica rinascimentale. Con esso, alcune musiche inedite del primo '400, la trasposizione musicale elettroacustica dei cinque corpi regolari, improvvisazioni sugli elementi con strumenti antichi, una realizzazione video olografica in mimesi con la danza, uno spazio tridimensionale di riproduzione del suono: questi i componenti che hanno costituito la messa in scena dei concetti rinascimentali, con un inedito contributo dell'innovazione software applicata alla composizione elettroacustica.
L’opera è dunque intesa come ideale punto d’incontro tra la civiltà quattrocentesca e la contemporaneità.

http://www.bellagerit.it/

http://www.de-divina-proportione.it

http://www.hevelius.it/webzine/leggi.php?codice=245

Il ravennate Matteo Ramon Arevalos si avvicina alla musica a sei anni appassionandosi ben presto al pianoforte e alla composizione. Insieme all’artista visiva Chiara Zenzani, ha creato uno spettacolo che coinvolge musica, testo, pittura e scultura ispirandosi al tema della favola e alla figura di Tulugaak, il creatore della luce nella mitologia del popolo eschimese Inuit.

Antichi confini sommersi, contesi dalle sabbie e dalle acque dove, internauti camminanti, si ritroveranno su sentieri tornanti con guide di storie, natura, e risonanze. Sentieri di passi, di una “Trafila garibaldina” dove il paesaggio fu teatro tragico di morte e di vita. Sentieri invisibili di acque antiche sull’isola Perea, dal “locus loci” di terre emerse al mito di Fetonte.
Di passo al fiume, traghetto solitario nell’attesa di romiti, alla cerca di un pesce di legno, quello che se n’era ito giù per lo Po... di una antica novella. Armonie del vento e di confini aerei di acque oscure, dove voli “striati” di fenicotteri su argini filari formano partiture sonore per uomini cantori. Passo dopo passo, nutrimento della mente e del corpo, tutti erranti alla corte della memoria dei luoghi.

http://www.trailromagna.eu/

Un frutto assai particolare, gustoso da ascoltare, sarà presentato al Centro Commerciale ESP. Mapo Salato è infatti il titolo dell'ultimo CD dei Minor Swing Quintet dall'intenso sapore manouche che i 5 musicisti bolognesi proporranno in anteprima nei padiglioni del centro commerciale eseguendo le loro musiche dal vivo.

Furtwängler, Toscanini, Karajan, Klemperer, Muti, Sinopoli: è sotto la guida dei più grandi che è cresciuta la straordinaria fama della Philharmonia Orchestra, ora affidata alla bacchetta del finlandese Salonen e alla forza espressiva del suo gesto che si coniuga alla lucidità analitica tipica del direttore che è anche compositore. Uno slancio appassionato che, in questo esordio a Ravenna Festival, si rispecchia nell’immediatezza di Musorgskij – la sua è l’arte di un “curioso selvaggio che scopra la musica ad ogni passo tracciato dalla sua emozione” come scrisse Debussy – nella sua più celebre pagina sinfonica. Così come nella spasmodica ricerca di mondi inesplorati che emerge nel Bartók americano del Concerto per orchestra, e nella tagliente drammaticità del concerto mozartiano.

http://www.philharmonia.co.uk/

E’ il Cappuccetto Rosso nella sua versione più conosciuta, quella in cui nonna e nipote, dopo essere state mangiate dal lupo, vengono salvate dal provvidenziale cacciatore. Ma è solo il punto di partenza di un lavoro in cui, assieme alla ricerca sul linguaggio della favola, si approfondiscono nuove tecniche di animazione.

Nel primo centenario della scomparsa di Gustav Mahler, Kent Nagano dirigerà la sinfonia forse più paradossale di un compositore mai eseguito a sufficienza. La Settima Sinfonia (1905) è priva del gigantismo orchestrale che caratterizza molti lavori di Mahler, ma si pone al contempo come una summa della
sua poetica compositiva: i suoi cinque movimenti perfettamente simmetrici (uno Scherzo centrale contornato da due Nachtmusiken; due ampi Allegri alle estremità) sono pregni di “suoni di Natura”, marce funebri, citazioni colte e “basse” (da Amami Alfredo ai Maestri cantori di Wagner, passando per melodie popolari e infantili), e sfoggiano strumenti insoliti in orchestra quali chitarra e mandolino, alternando di continuo ondate di denso suono e momenti di sublime rarefazione.

http://www.mphil.de/

C’è un apparente irrisolvibile conflitto fra il tema della favola e le liturgie curate da Ravenna Festival. Come conciliare il mondo della fantasia e dell’invenzione con quello delle verità di fede proclamate nella liturgia che favole certo non sono?
“Lasciate che i bambini vengano a me” ammoniva Gesù, e alle folle Egli amava rivolgersi in parabole, segno che la verità che ha introdotto nel mondo non è una dottrina da brandire, ma piuttosto un mistero cui affacciarsi con lo sguardo dei semplici. E proprio questa semplicità segnerà il percorso delle quattro liturgie, riecheggerà nelle voci dei bambini del Coro Farnesiano di Piacenza, nelle sonorità alpine evocate dal Coro Santa Lucia di Magras, nei canti della tradizione popolare riproposti dal Coro Santa Veronica, nei ritmi e nelle melodie africane che i ragazzi di Padre Kizito ci porteranno da Nairobi.

Ingresso libero

I Faden piano trio, formazione di jazz composta da Pier Marco Turchetti al pianoforte, Adriano Rugiadi al basso e Stefano Calvano alla batteria e percussioni, incrocia la tradizione della musica colta occidentale con sonorità mediterranee e gitane. Lo spettacolo interpreta questa fusione di generi col sostegno delle sequenze fotografiche di Leonardo Casadei e dei suoi paesaggi ravennati colti nel procedere delle stagioni.

I ricchi mangiavano la carne e i poveri le viscere. I primi il muscolo, gli altri le ossa. Dai tempi dei tempi la favola del cibo racconta una storia fatta di soprusi e rivoluzioni. Quanti uomini morirono di fame per capire che si sopravviveva solo mangiando? Fantastiche Frattaglie è un viaggio di parole e musiche, intorno alla favola bella della pancia piena, scandito in tappe come ad esempio “I capponi di Renzo Tramaglino”, “Hansel e Gretel sono una cena?” e “Le brioches di Maria Antonietta”. Tre Grand Gourmet: Antonello Salis, Gavino Murgia, Paolo Angeli, alle musiche e un maggiordomo: Marcello Fois, alle parole. Per una cena fantastica che ingrassa lo spirito. (Marcello Fois)

http://www.marcellofois.it/
http://www.antonellosalis.com
http://www.gavinomurgia.com
http://www.paoloangeli.com

La biografia di Domenico Scarlatti riserva ancora molti lati oscuri, specialmente per quanto riguarda i lunghi anni vissuti in Portogallo e in Spagna. Non a caso una delle caratteristiche delle sue Sonate è proprio l'influenza della musica popolare iberica. Una voce recitante ripercorrerà la romanzesca vita del compositore accompagnata dai clavicembali che evocheranno suoni di chitarra e rumori di nacchere.

Ha sei anni e deve iniziare la scuola. Ma il primo giorno i compagni si accorgono subito della differenza: non è un bambino come gli altri, ma il figlio di un orco. Tenerissima la fiaba scritta da Suzanne Lebeau, raffinata autrice canadese per ragazzi, portata in Italia da Marcello Chiarenza e interpretata da Claudio Casadio e Daniela Piccari. L’Orchetto racconta la diversità, ma anche la forza di lottare per cambiare se stessi, per affermarsi e per vincere i propri limiti. Il protagonista, infatti, dovrà affrontare tre difficili prove, dalla cui riuscita dipenderanno la sua crescita, la sua trasformazione e la sua salvezza. Gli attori si muovono con leggerezza in uno spazio teatrale magico, in un’evoluzione di suggestioni visive e sonore, che avvince lo spettatore, fino allo scioglimento finale.

http://www.accademiaperduta.it/

Musicista difficilmente catalogabile l’olandese Ernst Reijseger: tra i più sistematicamente curiosi, goloso di nuove situazioni sonore e sodalizi, di avventurose intraprese musicali e di certo mai prevedibile. Esponente di punta e tra i più radicali della nuova musica improvvisata e protagonista di una stagione tra le più esaltanti della musica europea in queste ultime decadi, tra gli altri mirabili progetti, ha saputo costruire sapienti contrappunti ad alcuni dei film di un altro grande maestro di avventure ed esplorazioni a volte estreme: il regista Werner Herzog, il cui ultimo film è proprio Cave of Forgotten Dreams. Così il focus dedicato a Reijseger è a sua volta un viaggio di scoperta, che riserverà sorprese a quanti aspirano ad essere veri “viaggiatori” e non semplici “turisti” dell’ascolto.

http://www.ernstreijseger.com/index.html

Minor Swing è una formazione costituita da cinque musicisti bolognesi uniti dalla passione per il jazz anni 30, quello comunemente definito jazz manouche o gipsy jazz. In questo genere musicale trovano la massima espressione gli strumenti a corda (chitarra, contrabbasso, violino...), come è tipico delle band tzigane. Lo stile rimanda allo swing delle grandi orchestre americane degli anni '20 - '30.

Musicista difficilmente catalogabile l’olandese Ernst Reijseger: tra i più sistematicamente curiosi, goloso di nuove situazioni sonore e sodalizi, di avventurose intraprese musicali e di certo mai prevedibile. Esponente di punta e tra i più radicali della nuova musica improvvisata e protagonista di una stagione tra le più esaltanti della musica europea in queste ultime decadi, tra gli altri mirabili progetti, ha saputo costruire sapienti contrappunti ad alcuni dei film di un altro grande maestro di avventure ed esplorazioni a volte estreme: il regista Werner Herzog, il cui ultimo film è proprio Cave of Forgotten Dreams. Così il focus dedicato a Reijseger è a sua volta un viaggio di scoperta, che riserverà sorprese a quanti aspirano ad essere veri “viaggiatori” e non semplici “turisti” dell’ascolto.

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Il progetto, che si fonda sulla raccolta documentaria delle fonti primarie dell’opera italiana realizzata presso i Dipartimenti universitari di Ravenna e Ferrara, costituisce un percorso di approfondimento e confronto sul melodramma italiano a cavallo tra Sette e Ottocento, aperto a studiosi e operatori della produzione teatrale, e si rapporta all’iniziativa di valorizzazione della tradizione operistica di quell’epoca intrapresa da Ravenna Festival, proponendosi come opportuno e fruttuoso raccordo tra la produzione teatrale e la riflessione storico-critica. La Giornata è dedicata quest’anno all’opera I due Figaro di Felice Romani e Saverio Mercadante, composta a Madrid nel 1826, mai andata in scena in epoca moderna, in occasione della ripresa ad opera di Riccardo Muti.

Musicista difficilmente catalogabile l’olandese Ernst Reijseger: tra i più sistematicamente curiosi, goloso di nuove situazioni sonore e sodalizi, di avventurose intraprese musicali e di certo mai prevedibile. Esponente di punta e tra i più radicali della nuova musica improvvisata e protagonista di una stagione tra le più esaltanti della musica europea in queste ultime decadi, tra gli altri mirabili progetti, ha saputo costruire sapienti contrappunti ad alcuni dei film di un altro grande maestro di avventure ed esplorazioni a volte estreme: il regista Werner Herzog, il cui ultimo film è proprio Cave of Forgotten Dreams. Così il focus dedicato a Reijseger è a sua volta un viaggio di scoperta, che riserverà sorprese a quanti aspirano ad essere veri “viaggiatori” e non semplici “turisti” dell’ascolto.

http://www.ernstreijseger.com/index.html

Un unico attore-narratore in scena, che muove e anima oggetti, in una affascinante rivisitazione della fiaba “nera” di Charles Perrault. Il Pollicino di Marcello Chiarenza, interpretato da Claudio Casadio, offre a un pubblico non solo di bambini l’occasione di confrontarsi con il sentimento della paura. E spiega come curiosità e coraggio possano rendere vincitori anche di fronte alle più angoscianti avversità. Efficacissimo il rapporto che il protagonista instaura con il pubblico. Si tratta di una fra le più fortunate, rappresentate e premiate produzioni di Accademia Perduta, proposta in Francia, Spagna e Svizzera sempre nella lingua della nazione che ospitava lo spettacolo. “Dedicato a tutti i pollicini che, con leggerezza, attraversano i boschi del mondo. Anche quelli devastati dalle bombe”.

http://www.accademiaperduta.it/

Nel 1820 Felice Romani (il librettista di Norma, per intenderci) compone il sequel delle vicende di Figaro narrate da Beaumarchais e immortalate da Mozart e Da Ponte; una nuova storia basata su un infallibile topos operistico: la sostituzione e lo scambio di persona, con Cherubino a spacciarsi per Figaro. La storia, tratta da una commedia francese vecchia di trent’anni, non ebbe fortuna né con la musica di Michele Carafa né con quella di altri minori dell’Ottocento italiano. Per farla diventare un capolavoro ci sarebbe voluto Saverio Mercadante che, dopo l’apprendistato musicale basato sui classici Zeno e Metastasio, nel 1835 riprende a Madrid I due Figaro, ornandoli di stilemi iberici e contribuendo a gettare un ponte tra la scuola napoletana ormai declinante e il nuovo stile rossiniano.

È una sorta di favola moderna, la vicenda dei congolesi Staff Benda Bilili. Senza casa (vivevano nei giardini dello zoo di Kinshasa), poverissimi e paraplegici, i membri del gruppo formavano una piccola comunità di strada intenzionata solo a rendere più dolce la loro difficile esistenza attraverso l’amicizia e la musica. Circondati dagli orfani abbandonati, questi anziani signori, che girano su incredibili carrozzelle motorizzate, improvvisavano trascinanti jam session a base di rumba, funky e reggae per passare il tempo e raccattare qualche soldo. Poi un talent scout li scopre, arrivano il disco e il successo che non avevano mai immaginato né sperato. E ora eccoli qui, essenza della vivacissima creatività dell’Africa contemporanea, musica vera, la ricchezza e la speranza dell’animo umano offerte senza trucchi.

Lo spettacolo, che trae ispirazione dal celebre Asino d’oro di Apuleio, è costituito da un incessante susseguirsi di brani di teatro di burattini, racconti di cantastorie e parodie della giocoleria, dell’acrobatica e dell’arte del trasformismo; uno show di arte varia che rimanda al decadente circo ottocentesco con la sua sgangherata struttura scenica e i suoi disorganizzati artisti di strada.

Seun Kuti è figlio di uno degli artisti più influenti del xx secolo, Fela Kuti, “The Black President”, rivoluzionario, musicista e attivista nigeriano, inventore dell’afrobeat. Con lui, la storica formazione degli Egypt 80 – “la più infernale macchina ritmica dell’Africa tropicale” –, nome che Fela diede agli Africa 70 nel 1977, rifacendosi all’antica civiltà egizia. Come il padre, Seun lotta con la musica per l’affermazione del suo popolo. Fela Anikulapo Kuti è ora un’icona dell’Africa combattente che ritiene di potercela fare con le proprie forze e la propria cultura contro l’ingiustizia, la corruzione, l’arroganza del potere. E questa è la sensazione trasmessa dalla musica di Seun, da sonorità che tengono conto della storia dell’ultima black music, introducendo le inflessioni del rap e del new soul nel fragore della locomotiva dell’afrobeat.

C’è un apparente irrisolvibile conflitto fra il tema della favola e le liturgie curate da Ravenna Festival. Come conciliare il mondo della fantasia e dell’invenzione con quello delle verità di fede proclamate nella liturgia che favole certo non sono?
“Lasciate che i bambini vengano a me” ammoniva Gesù, e alle folle Egli amava rivolgersi in parabole, segno che la verità che ha introdotto nel mondo non è una dottrina da brandire, ma piuttosto un mistero cui affacciarsi con lo sguardo dei semplici. E proprio questa semplicità segnerà il percorso delle quattro liturgie, riecheggerà nelle voci dei bambini del Coro Farnesiano di Piacenza, nelle sonorità alpine evocate dal Coro Santa Lucia di Magras, nei canti della tradizione popolare riproposti dal Coro Santa Veronica, nei ritmi e nelle melodie africane che i ragazzi di Padre Kizito ci porteranno da Nairobi.

Il bicentenario della nascita di Franz Liszt è l’occasione per proporre quattro capolavori del compositore simbolo del virtuosismo pianistico romantico. Michele Campanella, che allo studio e all’esecuzione del grande musicista ungherese ha dedicato tutto il suo percorso artistico, affianca i giovani della “Cherubini” nella doppia veste di pianista e direttore, al fine di realizzare l’ideale lisztiano della piena integrazione tra il virtuosismo del pianoforte e quello dell’orchestra. Così è nei due concerti, che vedono il pianoforte di volta in volta contrapporsi o prendere parte alla compagine orchestrale, nella Totentanz, basata sul tema del Dies irae (che Liszt avrebbe scritto suggestionato dagli affreschi del Trionfo della morte al Camposanto di Pisa) e nella Fantasia, compimento sinfonico dell’idea di musica popolare ungherese coltivata da Liszt.

http://www.orchestracherubini.it/

È un mondo fatato e magico quello dipinto dall’islandese Ólafur Arnalds, un mondo fatto di lievi tocchi di pianoforte su leggere basi elettroniche e avvolgenti quanto glaciali suoni di archi. L’universo sonoro di Ólafur è quello che ha fatto conoscere l’Islanda musicale in tutto il pianeta, dalle suite senza fine di Sigur Ros e Mùm alle ricerche raffinatissime costruite dagli archi e da flebili echi elettronici, che rimandano alla scuola di Johann Johannsson e Peter Broderick, fino al puro classicismo del pianoforte che poi è il vero protagonista della musica di questo visionario compositore post classico. Musica classica e pop possono essere la stessa cosa: in alcuni casi le due anime, solo all’apparenza così lontane, si toccano, si muovono insieme in un magmatico, dolcissimo incanto.

http://olafurarnalds.com/

Il ravennate Marco Rosetti, nonostante la giovane età, vanta un solido percorso formativo e professionale internazionale come musicista e compositore. Ispirandosi al tema di Ravenna Festival, ha composto musica e parole per questa favola moderna in cui, in un alternarsi di note e voce, si narra il percorso creativo di uno scrittore di favole stanco e poco ispirato.

Ragazze in chador che chiedono la fertilità alla Madonna, ebrei che intonano canti islamici, cristiani prostrati a terra come musulmani e musulmani che bevono vino... È lungo le crepe di quel tanto proclamato “scontro di civiltà” che si dipana il pellegrinaggio di Monika Bulaj e Paolo Rumiz: alle frontiere della spiritualità, fino a terreni inesplorati dove i monoteismi oggi drammaticamente in conflitto rivelano insospettati spazi di coabitazione. Come a raccogliere le “briciole di Dio”, in una sorta di viaggio a ritroso verso una primigenia esperienza religiosa, che dalle pagine dei due indomabili cacciatori di racconti si fa teatro: parola intrisa di immagini, visioni, conoscenza e... musica, quella dell’eclettico Sasha Karlic con i suoi straordinari virtuosi.

La smisurata grandezza del nostro patrimonio musicale, ben lungi dall’essere totalmente esplorato, riserva ancora straordinarie sorprese come quella di un altro grande musicista del ’600 cresciuto nella nostra terra di Romagna e ancora tutto da scoprire. Angelo Berardi da Sant’Agata Feltria, teorico della musica e autore di diversi trattati, fu compositore prevalentemente di musica sacra, attivo come maestro di Cappella a Viterbo, a Tivoli, a Spoleto e da ultimo in Santa Croce in Trastevere a Roma. In ambito strumentale spiccano le sue Sinfonie a violino solo che si presentano come recitativi in cui lo strumento solista, sostenuto da note lunghe del basso, crea continuamente dissonanze, modulazioni inaspettate, arabeschi melodici inusuali, repentini cambi di registro e di affetto, in una sorta di “recitar suonando”.

In una delle più belle storie della musica mai scritte, Hans Heinrich Eggebrecht colloca il musicista romantico in un mondo ideale ove l’arte ha una funzione redentrice, di contro alle brutture del mondo reale sulle quali l’artista non ha alcuna influenza. È a questa idea e a una delle sue incarnazioni – l’eroe, sia egli il picaresco Don Chisciotte o il titano di stampo byroniano – che Richard Strauss rende omaggio quando tra il 1897 e il 1898 compone Don Quixote e Ein Heldenleben: un tema con variazioni il primo (l’eterno ripetersi di avventure e sconfitte dell’eroe di Cervantes); il secondo, una girandola di temi straussiani da Don Juan, Zarathustra, Tod und Verklärung: l’idealizzazione eroica di un autore che di se stesso diceva: “io non sono un eroe... non sono fatto per la battaglia”.

http://www.lesarts.com/Palau/PalaudelesArts/Laorquesta

Cofondatore del seminale progetto Basic Channel, Moritz von Oswald ha contribuito, all’inizio degli anni ’90, a imporre l’asse Detroit-Chicago-Berlino sulla scena della musica elettronica, rimodellando la storia del genere, influenzando la techno, l’house ma anche la sperimentazione. In questo trio stellare ecco poi il finlandese Vladislav Delay, colui che ha sfumato i confini tra microhouse e composizioni d’avanguardia, pubblicando dischi imprescindibili. Ultimo è Max Loderbauer, componente degli NSI, altro guru dell’elettronica di ricerca. Sul palco i tre danno vita a un live denso, suonato, surreale: Loderbauer ai synth, Delay alle percussioni assortite, von Oswald agli effetti e al banco mix. Momenti, schianti, linee melodiche che viaggiano, suoni metallici e ritmi space jazz fanno della loro musica un viaggio onirico lungo l’elettronica.

Dalla collaborazione di tre artisti ravennati nasce questo progetto di interazione di suono, danza, pittura e proiezione video. Su un pannello elettroacustico che si attiva attraverso la conduzione elettrica nei diluenti della pittura, Aldo Becca gioca con tracce di colore che richiamano l’oro, proiettandole su uno schermo e definendo via via lo spazio sonoro e di movimento in cui agisce la danzatrice Michela Minguzzi.

Un’esplosione di gioia, splendido, indimenticabile, giovane ed esuberante... sono solo alcuni dei commenti usciti dalla penna dei più blasonati critici inglesi all’apparizione sulle scene del West End di questo Flauto Magico in versione africana, che proprio nel regno britannico del musical si è conquistato un paio di ambitissimi premi. Non più nel fantastico Egitto immaginato da Schikaneder, ma in un popolatissimo sobborgo di Cape Town: è qui, in un’Africa in bilico tra modernità e passato tribale, che nelle mani dell’imprevedibile Mark Dornford-May e della sua compagnia rivive la fiaba di Tamino, Pamina, Papageno... Al suono di un’orchestra di marimbe, mentre una tromba jazz ruba la scena all’etereo flauto, la partitura di Mozart viene ripercorsa: strappata alla “sacralità” filologica e consacrata alla ritmica fisicità di un rito iniziatico tribale.

A leggere il celebre saggio di Vladimir Propp, Morfologia della fiaba, s’impara un principio fondamentale: le fiabe, quelle russe di Afanas’ev come quelle
dell’universo mondo, si basano tutte sulla stessa manciata di personaggi e funzioni: l’eroe, il cattivo, il mago, il re, la principessa, le terribili prove da il “c’era un paese lontano lontano” e il superare, “tutti vissero felici e contenti”. E allora, se le fiabe sono così universali, perché non giocarci un po’? Il soggetto dell’Histoire du soldat è tratto giusto dall’immortale raccolta di Afanas’ev, il libretto è in francese, la partitura è un guazzabuglio delle più svariate danze e forme musicali. A rappresentarla in dialetto romagnolo, con buona pace del cosmopolita Stravinskij, si farà poi gran peccato?

Un sottile filo rosso lega alla sottotrama africana di Ravenna Festival il concerto dell’affascinante Natacha Atlas, belga di nascita ma egiziana di origini, che allo Zenith della carriera solistica torna momentaneamente alla guida dei “suoi” Transglobal Underground. Fu proprio con il collettivo multietnico di dj e strumentisti che Natacha, negli anni Novanta, si era efficacemente impegnata nel dare alla tradizione sonora araba e nordafricana una sferzata di ispirazione dance, tramite la fusione delle sue radici musicali con certa elettronica occidentale. Un melting pot di influenze in cui si mescolano musica indiana, house, new age, trip hop, dub che portò in breve i Transglobal Underground e la loro sensuale cantante a diventare gli alfieri del movimento definito “World dance fusion”.

Purezza e sensibilità. Ma anche versatilità, intelligenza interpretativa e passione. La grandezza di Manuel Legris, fuoriclasse del balletto mondiale, poggia su queste basi. Le stesse su cui da direttore oggi sta facendo rifiorire lo storico Wiener Staatsballett. Una nuova generazione di artisti, smaglianti interpreti della tradizione della danza classica, che sa però reinterpretare le sensibilità del nostro tempo. Lo dimostra il programma concepito per questo “Gala” nel quale le étoiles e i solisti del Wiener Staatsballett, con lo stesso Legris, presentano un compendio di cento anni di danza che dai fulgori di Petipa tocca le architetture di Balanchine fino alla riscrittura di Forsythe e dal dramma intimista di MacMillan va al pathos di Eifman.

http://www.wiener-staatsoper.at/Content.Node/home/staatsballett/Allgemein.de.php

Originario di Arras, nella regione di Artois, Adam de la Halle, giunse a Napoli intorno al 1282, alla corte di Carlo d’Angiò, all’epoca reduce dalla rivolta dei Vespri Siciliani. Fu proprio a Napoli che venne messo in scena per la prima volta Le jeu de Robin et de Marion, una sorta di pièce che alla parola alterna pagine musicali, sia monodiche che polifoniche, in cui si narrano le vicende della pastorella Marion, del suo promesso sposo Robin e di un cavaliere interessato più a Marion che alla caccia al falcone in cui è coinvolto. Una rappresentazione in musica che i Micrologus propongono affrontando i vari problemi di lettura della notazione, di rapporto tra voci e strumenti musicali e di registro stilistico, da sempre attenti anche al contributo che lo studio delle musiche popolari ed etniche può fornire all’interpretazione del Medioevo.

http://www.micrologus.it/

Una collaborazione tra titani. Da un lato il Re Mida della sperimentazione elettronica Alva Noto, dall’altro Blixa Bargeld, musicista, compositore e attore, conosciuto ai più come leader e cantante degli Einstürzende Neubauten. I due esplorano i confini della voce e della musica, creando manipolazioni vocali e suoni stratificati e complessi, in cui confluiscono trame ambient e sferragliate free-form claustrofobiche ma ammalianti, insieme a parti più morbide ed eteree.
La pietra filosofale di an/bb è l’equilibrio mirabile tra la cangiante voce di Bargeld e i tic alieni di Alva Noto. Da qui si sviluppa un concetto musicale basato sul fondersi di improvvisazione e astrazione, in cui l’impulsiva performance live vocale e gli elaborati panorami sonori convogliano verso risultati sorprendenti e inaspettati.

http://www.blixa-bargeld.com/

http://www.alvanoto.com/

C’è un apparente irrisolvibile conflitto fra il tema della favola e le liturgie curate da Ravenna Festival. Come conciliare il mondo della fantasia e dell’invenzione con quello delle verità di fede proclamate nella liturgia che favole certo non sono?
“Lasciate che i bambini vengano a me” ammoniva Gesù, e alle folle Egli amava rivolgersi in parabole, segno che la verità che ha introdotto nel mondo non è una dottrina da brandire, ma piuttosto un mistero cui affacciarsi con lo sguardo dei semplici. E proprio questa semplicità segnerà il percorso delle quattro liturgie, riecheggerà nelle voci dei bambini del Coro Farnesiano di Piacenza, nelle sonorità alpine evocate dal Coro Santa Lucia di Magras, nei canti della tradizione popolare riproposti dal Coro Santa Veronica, nei ritmi e nelle melodie africane che i ragazzi di Padre Kizito ci porteranno da Nairobi.

Partendo dalla favola della piccola fiammiferaia di Andersen, lo spettacolo ripercorre alcuni temi classici della letteratura per l’infanzia associandoli ad ambienti visivi costruiti attraverso citazioni dell’arte figurativa. Il teatro di figura con attori viene rafforzato dalle più elaborate tecniche multimediali attraverso una scena virtuale rappresentata in tempo reale mediante computer.

La voce di Alda Caiello, infaticabile interprete della musica del Novecento, è il filo conduttore ideale per un programma interamente dedicato alle potenzialità espressive della voce femminile. Un legame particolare unisce la Caiello alle Folk Songs: ebbe modo infatti di lavorarci con lo stesso Berio, che le aveva scritte nel 1964 per Cathy Berberian, pensandole non tanto come trascrizioni di canti popolari, ma bensì come riflessioni su una scrittura che tenga conto delle modalità espressive delle diverse culture musicali. E alla voce chiede molto anche Schönberg, con Pierrot lunaire (1912): rispettare le altezze indicate dalle note per ottenere una melodia non cantata, bensì parlata. Insomma, Sprechstimme, una vocalità teatrale e narrativa, ma realizzata con una precisa prospettiva musicale.

http://www.aldacaiello.com/

Se si dovesse scegliere una sola parola da associare alla figura di Stephen O’Malley, questa sarebbe con certezza “versatilità”. Il chitarrista americano stregone del drone è infatti perfettamente a suo agio tanto come membro dei devastanti Sunn O))) che nella creazione di algide e rarefatte musiche per il teatro, all’interno dei sofisticati Aethenor come a servizio di un sound da incubo nei Ktl. Questa volta O’Malley si trova però a collaborare con un partner del tutto inedito: Yuri Ancarani – sicuramente tra i più interessanti videoartisti attivi oggi in Italia – alle prese con un sorprendente progetto sulla Bora. Il video è stato girato in Val Rosandra, nel Carso, canale di congiunzione tra Italia e Slovenia nonché porta di accesso dei clandestini per l’Italia, ma anche il punto dove si incanala con più forza quel vento impetuoso chiamato Bora.

http://www.yuriancarani.com/

Una fiaba tradizionale africana interpretata da 21 piccoli artisti-acrobati del Kivuli Centre di Nairobi. A Kivuli (in swahili Rifugio) le attività che hanno una dimensione di spettacolo sono di grande aiuto per i bambini di strada raccolti dalle baraccopoli che hanno bisogno di recuperare fiducia in se stessi e autostima, di ritrovare la gioia di essere apprezzati dagli altri. Simba na Mende è un invito ad impegnarsi perché tutti i
bambini del mondo crescano in quel clima di pace, di cura e di affetto cui hanno diritto.

Al suo terzo anno di vita Voci nella preghiera si rinnova e si ripropone come luogo e momento di incontro e di ascolto. Nell’anno che il Festival dedica ai racconti, i sacri testi delle diverse religioni fungeranno da guida e da richiamo a tutti coloro che desiderano mettersi in ascolto di se stessi e dunque degli altri, di quell’Altro da sé che proietta il nostro io in una dimensione più vera, più umana, più nostra. L’uomo è per sua natura comunione, nasce e cresce all’interno di una comunità umana. Ecco che in uno dei luoghi più emblematici di una antica e ancora oggi possibile comunione tra Oriente e Occidente (San Vitale), si incontreranno genti di fedi diverse, accomunate dallo stesso desiderio (dal latino de siderum) di infinito.

Danza e parola, gesto e musica: è nell’intreccio simbiotico dei diversi linguaggi che si muove ancora una volta l’inesausta vena creativa di Micha van Hoecke. In una sintesi espressiva che, dopo Le Baccanti, lo riporta alle origini del teatro – Euripide e Seneca – e alla stringente attualità che le antiche tragedie sanno ogni volta rivelare. Caduta Troia e chiusi nel sangue dieci anni di guerra, rimangono le donne destinate ai vincitori, schiave d’amore e di morte: è il loro sguardo a condurci lungo lo strazio del lutto e l’inutile violenza della guerra. Cassandra, Andromaca, Elena, ma soprattutto Ecuba, regina e madre, affidata all’interpretazione di uno degli artisti più visionari e genialmente provocatori degli ultimi decenni: Lindsay Kemp, mimo, clown, danzatore (ma anche pittore), maestro di quel gesto che, irripetibile, disegna e reinventa lo spazio.

http://www.michavanhoecke.org/

“Ho sempre tenuto per bandiera l’impegno di riportare Verdi alle sue partiture [...] che non vuol dire fare quello che c’è scritto, ma cercare di cogliere attraverso il segno le retrostanti possibilità infinite”. Per Riccardo Muti quella verdiana è una sorta di “lingua madre”, incarnazione dell’idea di un’italianità musicale nei suoi esiti più alti, espressione dello strato profondo del carattere nazionale. Allora, alcune delle più intense pagine dei suoi melodrammi, con un significativo cenno anche al più spiccato lirismo belliniano, fremono come una sorta di bandiera musicale nazionale – e il richiamo al 150° dell’Unità è inevitabile – in questo concerto “corale” in cui Muti riunisce una straordinaria compagine musicale: ancora una volta, insieme a cori ben sperimentati e a solisti di talento, le più importanti orchestre giovanili del paese.

http://www.orchestracherubini.it/
http://www.riccardomuti.com/cover.aspx

T.E.L. è un dispositivo per comunicazioni utopiche. Due attori, collocati in due luoghi diversi, lontani nello spazio, forse anche nel tempo, appassionatamente protesi verso lo stesso irriducibile fantasma. Due pubblici differenti, testimoni simultanei del loro possibile-impossibile dialogo, appena consci della propria reciproca presenza.
Se percorrete una delle piste incerte che scendono nel deserto, un qualunque deserto, vi coglierà una sorta di stanchezza strana, un desiderio di sosta: in quel luogo vi sembrerà di sentire un rumore lieve, e comincerete a chiedervi: rumore o voce? Di che o di chi? Ogni rumore, animale, vento, sparo, voce, gola, lingua nota e ignota vi dirà che altrove qualche cosa sta accadendo con apparente ritmica scansione. (Giorgio Manganelli)

http://www.fannyalexander.org/